"쥬라기 월드: 리버스"에서는 새로운 종류의 공룡 액션 장면이 프랜차이즈에 추가됩니다. 바로 수중 공룡입니다. 영화의 약 3분의 1은 바다에서 펼쳐지며, 액션은 모사사우루스를 만난 두 척의 배를 중심으로 전개됩니다. 모사사우루스는 먼저 델가도 가족의 범선(라 마리포사)을 전복시키고, 이어서 던컨(마허샬라 알리)의 범선과 전투를 벌이는 더 강력한 장비를 갖춘 군용 순찰선 에식스호와 교전합니다.
이번 주의 Filmmaker Toolkit 팟 캐스트에 출연한 Gareth Edwards 감독은 그의 팀이 복잡한 액션 장면을 어떻게 촬영했는지에 대해 이야기했습니다.
SFX 보트 장비
영화는 태국의 야외 촬영지를 기반으로 하지만, 배우가 출연하는 보트의 야외 장면은 주로 Malta Film Studios의 야외 물탱크에서 촬영되었습니다. 특수 효과 감독인 Neil Corbould는 Edwards와 함께 "Rogue One"과 "The Creator"에서 작업했던 사람으로, 보트의 움직임을 시뮬레이션할 수 있는 특수 장비를 제작했습니다.
에드워즈는 그 장면을 어떻게 촬영할지 처음 논의했을 때 "닐은 천재적인 면이 있었어요. '아, 로봇 팔을 만들어 보자. 짐벌 같은 건데, 배를 짐벌에 올려놓고 물속에 완전히 잠기게 해서 완전히 뒤집힌 후 다시 올라오게 하고, 수중 스턴트까지 다 할 수 있게 하자'고 했죠."라고 말했습니다. "'와, 알겠어. 이런 걸 할 수 있다는 건 몰랐네. 전에 이런 걸 한 영화가 몇 편이나 있었지?'라고 생각했죠. 그러자 닐은 '전혀 없었어.'라고 대답했어요."
IndieWire가 이번 주 초에 보도했듯이, 에드워즈는 제작 3개월 전에야 고용되어 특수 효과가 가득한 이 블록버스터 영화의 사전 제작 일정이 극도로 촉박해졌습니다. 즉, 코볼드는 지구 반대편에서 사용될 독특한 장비를 설계, 제작, 테스트할 시간이 두 달도 채 남지 않았습니다. 마리포사는 65톤 무게의 11축 수중 모션 베이스에 탑재되어 180도 기울어져 전복 상황을 시뮬레이션할 수 있었고, 더 큰 에섹스호의 실물 크기 복제품(실제 크기 세트로 사용됨)은 영국에서 공들여 제작되어 몰타로 운송되어 45도 기울어지고 어느 방향으로든 회전할 수 있는 장비에 탑재되었습니다.
진짜 물이 없다
일반 영화 관객과 숙련된 할리우드 영화 제작자 모두에게 "쥬라기 월드: 리버스"의 보트 시퀀스 중 상당 부분이 물 위에서 촬영되지 않았다는 사실은 이해하기 어려울 수 있습니다. VFX 프로듀서 카를로스 시우다드는 영화 보도 자료에서 바다에서 촬영된 약 600개의 장면 중 단 15%만이 실제로 물을 사용하여 촬영되었다고 추정했습니다. 영화 스튜디오의 특수 물탱크에서 촬영할 때조차 물탱크 자체는 비어 있는 경우가 많았습니다. 독학으로 VFX 아티스트를 키워 VFX 분야에서 가장 혁신적인 감독 중 한 명이 된 에드워즈는 인디와이어와의 인터뷰에서 이 아이디어가 처음 나왔을 때 매우 충격을 받았다고 말했습니다.
"정말 걱정됐어요." 에드워즈는 툴킷 팟캐스트에서 이렇게 말했습니다. "'아바타'에서 물 관련 작업을 했던 사람들이 나중에 이 영화에 와서 '지금까지 본 것 중 최고의 물 관련 작업을 하고 싶어요'라고 말했던 것 같아요. 누군가 그런 말을 하면, 그냥 하게 되더라고요."
디지털 시각 효과는 크게 발전했지만, 물은 그 움직임과 빛의 반사라는 무정형적인 방식 때문에 오랫동안 영화에서 시뮬레이션을 기피해 왔습니다. 하지만 제임스 카메론 감독의 " 아바타: 물의 길 "에서 획기적인 발전이 이루어지면서 이러한 상황은 바뀐 것으로 보입니다. 시각 효과 감독 데이비드 비커리와 그의 팀원들은 "리버스" 이전에 이 프로젝트를 진행했습니다. 에드워즈가 프로젝트에 참여하기 전, 물 위에서 일어나는 액션의 규모를 파악한 시우다드, 비커리, 그리고 팀은 실제 물 데이터를 수집하여 물의 움직임, 색상, 그리고 다양한 표면과의 상호작용을 연구하고 수백 개의 장면에서 시뮬레이션하기 시작했습니다. 에드워즈는 여전히 회의적이었다는 점을 인정했습니다.
에드워즈는 "이걸 만들기까지 오랜 시간을 투자했습니다. '[디지털 물로] 90%까지만 가능하다면, 이를 악물고 참아낼 테니까, 아마 무사히 넘어갈 수 있을 거야.'라고 생각했죠."라고 말했습니다. "그런데 그들이 실험을 했는데, 몽토사우루스 한 마리가 물 밖으로 뛰어올라 다시 물속으로 뛰어드는 일이 벌어졌습니다."
에드워즈는 깊은 인상을 받아 곧바로 이 클립을 시나리오 작가 데이비드 코엡 에게 공유했고 , 그는 실망스러운 듯 "멋지다"고 답했습니다.
"그리고 하루쯤 지나서 갑자기 이런 문자가 왔어요. '젠장, 씨발. 모사사우루스인 줄 몰랐는데, 유튜브에서 고래 영상인 줄 알았어.'라고요. 그 사람이 방금 모든 게 CGI라는 걸 알아챘는데, 저는 그게 최고의 칭찬이라고 생각했어요." 에드워즈가 말했습니다. "후반 작업 내내 물에 대해 혹평할 줄 알았는데, 너무 완벽했어요. 그들이 알아서 해줬고, 우리는 그 문제에 대해 이야기할 필요도 없었죠. [웃음] 대신 배경에 있는 구름 모양 같은 걸 지적하는 거죠."
키아누 리브스의 암살자가 "존 윅: 챕터 4"의 마지막 부분에서 사망한 것으로 보였던 가운데, 그의 복귀가 확실시되고 있습니다. "존 윅 5"는 키아누 리브스를 죽음에서 되살릴 예정이며, 스튜디오 라이언스게이트는 아나 데 아르마스 주연의 "발레리나"를 비롯한 몇 차례의 스핀오프 실패 이후 프랜차이즈의 기세를 이어가고자 합니다.
안타깝게도 "발레리나"의 흥행 수익은 존 윅 세계관에 사형 선고처럼 보였습니다. 존 윅이 주인공으로 등장할 때만 관객을 끌어들이는 듯합니다. 로튼 토마토 지수 76%, 시네마스코어 A-, 그리고 "존 윅 세계관에서"라는 사실을 숨기지 않는 제목까지, "발레리나"는 9천만 달러의 제작비로 1억 9백만 달러 이상의 수익을 올렸어야 했습니다. 그런데 왜 그러지 못했을까요? 가장 분명한 답은, 존 윅이 주요 볼거리가 아니었고, TV 스핀오프 "더 컨티넨탈" 역시 흥행에 실패하면서, 관객들은 이 급성장하는 영화 세계관에서 리브스가 연출하는 암살자만 보고 다른 건 보지 않는 것 같습니다.
하지만 라이언스게이트 임원진에게 물어보면 "발레리나"가 왜 기대에 못 미쳤는지 몇 가지 이유를 알 수 있을 겁니다. 특히 스튜디오 임원들은 2014년 첫 번째 "존 윅"이 개봉한 이후로 계속해서 의견을 제시해 왔기 때문입니다. 특히 한 가지 스튜디오 제안은 프랜차이즈 감독 채드 스타헬스키에게 여전히 걸림돌로 남아 있습니다. 그는 주력 영화들을 흥행으로 이끌었지만, 자신과 공동 감독인 데이비드 리치의 첫 번째 존 윅 영화에서 제작 기간을 좀 줄여달라는 말을 아직도 기억하고 있습니다.
스튜디오는 존 윅을 줄이고 싶어했습니다.
스튜디오 노트는 좋은 평판을 얻지 못하는데, 그 이유는 우리가 접하는 많은 노트들이 그저 터무니없어 보이기 때문입니다. 예를 들어, 무능한 스튜디오 임원이 "위플래시"의 드럼 연주를 삭제하려 했다는 것을 생각해 보세요. 원작 "존 윅"도 그런 제안에서 자유롭지 않았습니다. 2010년대 초 영화 제작 당시에는 제작비를 회수할 수 있을지는커녕 흥행은커녕 성공할 가능성조차 전혀 없었다는 점도 도움이 되지 않았습니다. 키아누 리브스는 배우로서의 경력이 다소 침체되어 있었고, 공동 감독인 채드 스타헬스키와 데이비드 리치는 감독 데뷔를 앞두고 있었습니다. 이러한 점을 고려하면 스튜디오 측은 수정 제안에 더욱 적극적이었을 가능성이 높지만, 노트는 첫 번째 영화 이후에도 계속되었고, 특히 스타헬스키는 한 가지를 결코 잊지 못한 것 같습니다.
할리우드 리포터 와의 인터뷰에서 스타헬스키는 스튜디오 노트에서 후회되는 부분이 있는지 질문을 받았습니다. "특정 '존 윅'에서는 3분짜리 영상 때문에 정말 말다툼을 했어요."라고 그는 말했습니다. "대부분의 스튜디오, 심지어 비평가들조차도 러닝타임에 대해 이상한 생각을 가지고 있습니다. 영화가 얼마나 긴지 신경 쓰나요? 진짜 질문은 '지루하냐'는 겁니다." 이번 경우, 스튜디오는 "존 윅" 영화의 최종 편집본에서 시간을 단축하고 싶었지만, 그 시간은 기껏해야 미미한 수준인 것 같았습니다. 스타헬스키는 이렇게 설명했습니다.
"그들은 '사람들이 2시간 20분이 넘으면 지루해한다는 메타데이터가 있잖아'라고 말할 거예요. 영화를 보고 나서 '이 영화 진짜 끝내주는데, 2분 36초 정도면 좋았을 텐데'라고 생각할 사람은 아무도 없을 거예요. 그래서 '3분을 잘라야 해'라고 했을 때, 저는 그들을 보고 '관객들이 시험 점수로 90점을 줬잖아!'라고 생각했어요."
감독이 어떤 영화를 말하는지는 명확하지 않습니다. 만약 첫 번째 영화였다면, 최종 "존 윅"의 러닝타임은 101분입니다. 스타헬스키 감독은 3분 분량의 영상을 삭제했다고 직접적으로 언급하지는 않았지만, 스튜디오 노트에 대한 질문을 받았기 때문에 원래 러닝타임은 104분에 가까웠을 것으로 보입니다. 정확히 어떤 부분이 삭제되었는지도 명확하지 않지만, 모든 영화가 흥행에 성공했다는 점을 고려하면 그다지 중요한 문제는 아니었을 것입니다.
채드 스타헬스키는 런타임에 대한 집착을 싫어합니다.
채드 스타헬스키는 스튜디오와 비평가들이 러닝타임에 지나치게 집착하는 것을 좋아하지 않습니다. 오히려 그는 THR과의 인터뷰에서 이를 경멸하는 듯한 모습을 보였습니다.
90분짜리 영화를 4시간처럼 느껴본 적도 있고, '아라비아의 로렌스'나 '7인의 사무라이'를 본 적도 있는데, 네 시간짜리인데 두 시간처럼 느껴졌어요. '왕의 귀환'에 대해 아무도 불평하거나 투덜거리지 않았고, 피터 잭슨 감독 작품도 네 시간이나 됐으니까요.
아이러니하게도, 주요 시리즈의 최신작인 "존 윅: 챕터 4"는 약간의 편집이 있었으면 좋았을지도 모릅니다. 네 번째 작품에서 스타헬스키와 그의 팀은 신중함을 버리고 영화적인 전투에 대한 찬사를 쏟아냈습니다. 시리즈의 다른 어떤 것보다 훨씬 긴 정교한 세트피스를 선보였는데, 우리가 이야기하는 프랜차이즈를 고려하면 이는 상당한 의미가 있습니다. 하지만 /Film의 위트니 세이볼드가 썼듯이, "존 윅: 챕터 4"는 액션 영화에 액션이 너무 많을 수 있다는 것을 증명합니다. 특히 키아누 리브스가 연기하는 암살자가 파리를 누비며 싸우는 마지막 장면은 스타헬스키가 영화 역사상 가장 독창적이고 기이한 액션 장면들을 지루하고 심지어 지루하게 만들어낼 정도로 지나치게 관대해 보입니다.
라이온스게이트는 스타헬스키 감독에게 편집 요청을 크게 신경 쓰지 않았던 것 같습니다. 감독은 "챕터 4"의 긴 편집본이 "어딘가 거칠고 지루했다"고 주장하며, 일부 편집은 기꺼이 하겠다고 밝혔습니다. 하지만 그는 10년 전 스튜디오의 지시를 좀 더 충실히 따르고 편집본에 좀 더 적극적으로 임했어야 했을 것입니다.
리들리 스콧의 스콧 프리 프로덕션은 계획대로라면 리들리 스콧과 토니 스콧 영화의 추가 시리즈 각색을 추진할 방침이며, FX의 '에일리언: 어스'(8월 12일 개봉)와 내년에 개봉 예정인 프라임 비디오의 '블레이드 러너 2099'의 뒤를 따를 것으로 보입니다.
몬테카를로 텔레비전 페스티벌에서 버라이어티와의 인터뷰에서 스콧 프리의 최고 크리에이티브 책임자(CCO)인 데이비드 W. 주커는 "에일리언: 어스"와 "블레이드 러너 2099"가 주커가 회사에 근무한 24년 동안 스콧 형제의 영화를 각색한 첫 번째 시리즈라고 말했습니다. 주커는 스콧 프리가 영화를 각색한 것은 이번이 처음이 아니라고 지적하며, A&E에서 "안드로메다 스트레인"을, 유니버설에서 "코마"를 각색한 바 있다고 덧붙였습니다.
주커에게 있어 시리즈 각색은 영화와는 "다른 장르"여야 합니다. "에이리언: 어스의" 쇼러너인 노아 홀리는 FX의 "파고"처럼 많은 사랑을 받은 영화를 각색하여 TV 시리즈의 새로운 지평을 연 경험으로 쌓아왔다는 점이 이러한 점에 도움이 됩니다.
주커는 버라이어티와의 인터뷰에서 "에일리언: 어스"와 "블레이드 러너 2099"를 언급하며, "특히 '에일리언'과 '블레이드 러너' 두 작품은 제가 [스콧 프리에] 있는 동안 대부분 접근하기 힘든 작품이었다고 생각합니다. 야심도 컸고, 재정적으로도 부담이 컸을 뿐만 아니라, 솔직히 말해서 콘셉트와 그 작업을 수행할 수 있는 제작자를 찾는 것도 어려웠습니다. 개인적으로는 이 두 작품이 굉장히 두려웠습니다. 그런 상징적인 작품을 건드리는 게 너무 두려웠거든요."라고 말했습니다.
하지만 현재 여러 [리들리와 토니 스콧 감독의 영화 제목]을 검토하고 있는데, 가장 중요한 것은 '그 이유가 무엇인가?'입니다. IP가 확실히 대세이고, 각 제목마다 잠재적 가치와 친숙도의 차이가 있지만, 결국 중요한 것은 지금 당장 선보일 만한 작품의 기본 전제와 콘셉트가 무엇인가 하는 것입니다. 어떤 면에서는 이러한 개발 방식이 오리지널 개발 방식과 유사합니다. 잠재적으로 발전시킬 수 있는 원천을 제공하지만, 그 중 얼마나 실제 적용이 가능한지는 아직 불확실합니다.
"이러한 각 타이틀마다 처음부터 더 많은 장벽이 필요합니다. 통제 스튜디오와 협력하고 권리가 확보되도록 해야 하며, 앞으로도 파트너십과 상호 이익, 그리고 일치가 필요합니다.
"하지만 지금 우리가 탐색 중인 프로젝트 몇 가지는 큰 잠재력을 가지고 있다고 생각합니다. 여름이 끝날 무렵이면 앞으로 어떤 성과를 낼 수 있을지 알 수 있을 것 같습니다."
"에일리언: 어스"나 "블레이드 러너 2099" 같은 TV 영화 각색이 가능해진 데에는 스튜디오와 스트리밍 업체들의 사고방식 변화, 그리고 시각 효과 제작 비용 절감이 영향을 미친 것으로 보입니다. 주커는 "텔레비전 제작비 증가와 그 정도 규모의 작품을 제작할 수 있는 가능성은 몇 년 전에는 상상도 할 수 없었던 수준으로 높아졌다고 생각합니다."라고 말합니다.
지난달 공개된 "에일리언: 어스" 예고편에서 알 수 있듯이 최종 결과는 훌륭하며, 이와 비교할 만한 작품은 거의 없습니다. "네, 저도 동의합니다. 지금 믹싱 작업의 절반 정도 진행되었는데, 정말 놀랍습니다. 이는 노아 홀리가 FX와 맺어온 오랜 파트너십을 잘 보여주는 것 같습니다. 저희도 FX와 오랜 관계를 유지해 왔습니다. 노아와의 관계는 처음이지만, 코로나19 사태 이후 몇 년 동안 이 특정 제작에 참여해 왔습니다.
하지만 이 파트너십은 FX와 같은 곳에서 진정으로 즐기는 창의적인 협업과 디즈니 코퍼레이션 전체의 지원, 그리고 디즈니가 지금까지 해 온 어떤 프로젝트보다도 큰 규모라고 생각하는 그 규모의 프로젝트를 뒷받침하는 모든 것을 독특하게 보여줍니다. '쇼군'과 비교해도 손색이 없을 정도입니다.
'쇼군'의 성공은 정말 대단했습니다. TV에서 흔히 볼 수 있었던 변화였으니까요. FX가 그 노력에 대한 보상을 받았다는 사실에 정말 기쁩니다. 두 번째 시즌도 마찬가지로 성공적이었으면 좋겠습니다. 다른 구매자들이 언뜻 보기에는 그다지 확실해 보이지 않는 콘텐츠를 선택하도록 유도하려면 그런 성공이 필요합니다.
전 세계 배급 및 마케팅 역량을 갖춘 디즈니와 같은 거대 기업이 이런 쇼를 제작하는 데 확고한 독립성을 유지하는 스콧 프리에게 분명히 도움이 됩니다. "이런 작품에는 이것이 필수적이라고 생각합니다. 제가 존[FX 책임자 존 랜드그래프]이 이야기하는 것 중 하나는 '쇼군'의 국제적 관객 규모가 얼마나 컸는가 하는 것입니다.
'에일리언'에 대한 접근 방식에 분명히 도움이 되고 정보를 제공하는 몇 가지 큰 놀라움이 있었다고 생각합니다. 미국 관객이 얼마나 강력한지, 그리고 적절한 타이틀에 대한 국제적 관객이 얼마나 중요한지 측면에서 말입니다.
따라서 이 정도 규모의 것을 달성하려면 그에 대한 잠재력이 있어야 하고, 당신이 지적한 대로 스튜디오의 도달 범위와 스튜디오가 지원하고 궁극적으로 제공할 수 있는 것의 효능이 필수적이라고 생각합니다."라고 주커는 말합니다.
5월 말 공개된 "에일리언: 어스" 관련 인터뷰에서 홀리는 "괴물들을 드라마에서 제외하더라도 드라마로서 여전히 성공할 수 있을 것"이라고 말했습니다. 주커도 같은 생각일까요? "물론이죠. 특히 이 시리즈가 다시 돌아온다는 점에서 더욱 그렇습니다. 웬디의 이야기와 그녀가 원형으로 삼은 일종의 혼합형 존재, 그리고 이 모든 질문을 탐구하는 것, 특히 급성장하는 AI와 트랜스휴머니즘의 시대에, 그것이 우리의 존재뿐 아니라 우리가 어떻게 진화할 수 있을지에 대한 잠재적 미래에 어떤 의미를 갖는지, 그리고 우리가 이미 마주하기 시작한 엄청난 기술적 도약과 맞물려, 또한 그것이 기업의 지배자들에 대한 예고이기도 한데, 이는 현재 진행 중인 이야기의 중요한 부분이며, 지배권을 향한 투쟁과 그것을 어떻게 달성할 수 있는지에 대한 이야기입니다.
이 두 가지는 노아의 구상에서 매우 필수적이고 견고한 부분이라고 생각합니다. 인간이 이 경우처럼 우리가 전혀 알지 못하는 수많은 생명체들을 탐험하려는 오만한 어리석음과는 별개로, 그리고 그것들을 가지고 놀기 시작하는 사람들에게는 끔찍한 위협이 됩니다."
"쥬라기 월드: 리버스"와 "화이트 로터스" 시즌 3처럼 "에일리언: 어스"도 태국에서 촬영되었는데, 이는 재정적으로 가장 효율적인 촬영지를 찾으려는 시도라기보다는 창의적인 결정의 결과였다고 주커는 말합니다.
"주로 노아 감독의 미적 선택이었습니다. 그가 미래의 환경, 즉 더 덥고 습한 환경을 묘사하고 싶어 했는데, 이는 [태국에서] 찾을 수 있는 생태학적 환경에 잘 맞는 것처럼 보였습니다. 또한, 그가 미래의 전통적인 잔혹한 건축 양식에서 벗어나 더 유기적인 특성을 지닌 무언가를 선호했다는 점도 마음에 들었습니다. 그래서 전 세계적으로 다양한 촬영지를 검토했고, 솔직히 말해서 쇼를 촬영하는 데 필요한 무대 공간을 수용할 수 있는 도시에 있어야 했습니다. 태국은 이러한 많은 이점을 가져다주었습니다. 게다가 이런 촬영에는 정말 필요했던 훌륭한 제작진도 있었습니다."
스콧 프리는 태국뿐 아니라 전국 각지의 여러 시설에 걸쳐 12개가 넘는 무대를 활용했습니다. "우리는 태국의 가능한 모든 곳을 쇼에 활용했습니다."라고 그는 말합니다.
한편, "블레이드 러너 2099"는 대부분 프라하의 바란도프 스튜디오에서 촬영되었으며, 도시 곳곳과 바르셀로나 등 다양한 장소에서 촬영되었습니다. 현재 후반 작업 중입니다.
스콧 프리는 올해 TV 시리즈로 바쁜 한 해를 보냈습니다. Apple TV+에서 "도프 시프(Dope Thief)"와 "프라임 타겟(Prime Target)"이 공개되었기 때문입니다. AMC의 심리 공포 시리즈 "더 테러(The Terror)"의 시즌 3 "더 테러: 은빛 악마(The Terror: Devil in Silver)"는 올해 말 공개될 가능성이 높지만, 아직 출시일은 정해지지 않았습니다.
스콧 프리의 다가올 TV 작품 중에서 가장 큰 프로젝트 중 하나는 현재 Amazon MGM Studios에서 개발 중인 단편 시리즈 "폼페이: 불의 날"로, 마이클 허스트와 호라시오 허스트가 쇼러너를 맡을 예정입니다.
올해 TV 픽션 부문에서는 더 이상 제작에 들어갈 계획이 없습니다. "몇 가지 계획이 있는데, 가을쯤이면 알게 될 것 같습니다. 연말 전에 승인을 받을 수 있기를 바랍니다. 올해 카메라가 나오기 전에는 아무것도 나오지 않을 것 같습니다. 제작 속도가 매우 더디니까요." 주커는 이렇게 말했습니다.
수많은 소문과 중얼거림 끝에, 사랑받는 영화 '악마는 프라다를 입는다'의 속편이 마침내 확정되었고, 팬들은 미란다 프리스틀리의 웅장한 작품의 톱니바퀴가 다시 한번 탄생하기를 간절히 바라고 있다고 해도 과언이 아닙니다.
원작이 흥행에 성공한 지 거의 20년이 지난 지금, 안나 윈투어는 보그에서 물러났고 패션 잡지는 더 이상 예전처럼 문화적인 영향력을 발휘하지 못하고 있습니다. 하지만 "악마는 프라다를 입는다"는 두 영화 모두보다 오래도록 기억에 남을 만한 작품으로, 메릴 스트립 과 앤 해서웨이의 기억에 남는 연기를 통해 21세기 최고의 코미디 중 하나로 자리매김했습니다.
공동 주연 배우 스탠리 투치 의 말에 따르면 , 이 영화가 오랫동안 사랑받는 이유는 "정말 훌륭한 영화"이기 때문입니다. 따라서 속편은 기대에 부응해야 할 부분이 많을 것입니다. 하지만 적어도 이제 제작이 실제로 시작된 만큼, 후속편에 대한 소식은 더 이상 빙하기처럼 느리게 흘러가지 않습니다.
지금까지 알려진 내용은 다음과 같습니다.
누가 돌아올 것인가?
주요 출연진인 메릴 스트립(프리스틀리 역), 앤 해서웨이(앤디 삭스 역), 에밀리 블런트(에밀리 찰튼 역), 스탠리 투치(나이젤 키플링 역)가 공식적으로 "악마는 프라다를 입는다 2"에 복귀할 예정입니다.
원래 출연진 외에 케네스 브래너가 스트립이 연기한 캐릭터의 남편 역으로 캐스팅되었습니다.
하지만 앤디의 남자친구 네이트 쿠퍼(에이드리언 그레니어 분)는 돌아오지 않습니다. 네이트가 원작에서 앤디의 커리어를 지지하지 않은 이후 두 사람은 헤어진 것처럼 보였으니, 어쩌면 당연한 일일지도 모릅니다. 정말 그럴까요?
속편은 언제 출시되나요?
2026년 5월 1일 개봉합니다. 5월 첫째 주는 보통 여름 첫 대작 영화의 개봉일로, 스판덱스 의상과 만화 속 캐릭터들이 등장하는 블록버스터급 흥행을 노리는 영화입니다. 하지만 2026년에는 패션 잡지 직원들의 셰이프웨어에서 스판덱스를 찾아볼 수 있게 되고, 슈퍼히어로는 바로 메릴 스트립, 즉 미란다 프리스틀리가 될 것입니다.
속편의 스토리는 어떻게 되나요?
다음 장은 출판계의 실제 상황을 반영할 것으로 예상되는데, 전통적인 잡지 출판의 쇠퇴 속에서 프리스틀리가 자신의 커리어를 개척해 나가는 모습을 따라간다고 합니다. 거만한 편집자는 블런트가 연기하는 캐릭터와 맞붙게 되는데, 블런트는 이제 프리스틀리에게 절실히 필요한 광고 자금을 가진 명품 그룹의 고위 임원이 되었습니다.
해서웨이는 돌아오지만, 그녀가 맡은 캐릭터는 첫 번째 영화가 끝난 후 런웨이 잡지사에서 일을 그만두고 신문사에서 일하게 되었기 때문에 그녀가 어떻게 돌아올지는 알려지지 않았습니다.
크리에이티브 팀에는 누가 있나요?
원작을 연출한 데이비드 프랭클 감독과 각본을 맡은 앨린 브로쉬 맥케나가 속편에 다시 참여합니다. 프로듀서 카렌 로젠펠트도 함께합니다.
어떤 종류의 패션 카메오를 볼 수 있을까?
2006년 원작에는 패션 업계 관계자들의 언급이 많았고, 지젤 번천, 하이디 클룸, 브리짓 홀 등 모델들이 카메오로 등장하여 진정성을 더했습니다. 이번에는 누가 캐스팅에 합류할까요? 켄달 제너나 벨라 하디드 같은 유명 배우들이 합류할 가능성은 충분히 있지만, 이번에는 에이미 송이나 카밀라 코엘료처럼 유명 인플루언서들도 스토리라인을 업데이트하는 데 도움을 줄 수 있습니다.
올해 최고의 영화 중 하나가 코앞으로 다가왔습니다. 제임스 건 감독의 "슈퍼맨"이 극장 개봉을 앞두고 있습니다. 이 영화는 단순한 슈퍼히어로 영화가 아닙니다. 워너 브라더스에서 새롭게 만들어가는 DC 유니버스의 시작입니다. 마블의 "가디언즈 오브 갤럭시" 3부작 감독으로 잘 알려진 건 감독이 프로듀서 피터 사프란과 함께 DC 스튜디오를 이끌고 있습니다. 과연 DC의 황금기 소년이 리부트한 이 작품이 10여 년 전 DC 확장 유니버스(DCEU)보다 더 나은 출발을 할 수 있을까요?
박스 오피스에 따르면, 이 글을 쓰는 시점을 기준으로 "슈퍼맨"은 다음 주말 개봉 시 미국에서 1억 3천만 달러에서 1억 7천 1백만 달러 사이의 수익을 올릴 것으로 예상됩니다. 이 수치는 초기 예상치보다 약간 낮은 수치입니다. 당시 건 감독의 영화는 누구와 이야기를 나누느냐에 따라 9천만 달러에서 1억 8천 5백만 달러 사이의 수익을 올렸습니다. 한편, 할리우드 리포터에 따르면 6월 중순 집계된 블록버스터급 흥행 수익은 1억 3천 5백만 달러 이상 또는 그 미만이었습니다.
워너 브라더스는 크리스토퍼 놀란 감독의 '다크 나이트 라이즈'가 배트맨 3부작을 마무리한 지 1년 만인 2013년, 잭 스나이더 감독의 '맨 오브 스틸'을 통해 최초의 공유 실사 DC 시네마틱 유니버스(DCEU)를 출범시켰습니다. 헨리 카빌이 주연을 맡은 스나이더 감독의 '슈퍼맨'은 북미에서 1억 1,690만 달러의 수익을 기록했는데, 이는 2013년 기준으로는 상당한 흥행 성적이었습니다.
"맨 오브 스틸"은 전 세계적으로 6억 6,800만 달러의 수익을 거두며 흥행을 마감했지만, 제작비는 2억 2,500만 달러로 알려졌습니다. 흥미롭게도, 건 감독의 "슈퍼맨"도 매우 비슷한 제작비를 투자한 것으로 알려졌습니다. 흥미로운 점은, 물가 상승률을 고려하지 않은 상황에서, 선판매가 줄어들고 이 영화가 현재 예상보다 조금이라도 낮은 개봉률을 기록한다면, 스나이더 감독이 각색한 "맨 오브 스틸"과 거의 동일한 오프닝을 선보일 수 있다는 것입니다. 12년이 지났지만, 여전히 많은 것이 그대로입니다.
슈퍼맨은 새로운 DC 유니버스의 성공을 위해 준비해야 합니다.
"슈퍼맨"의 더 광범위한 줄거리는 놀랍게도 대부분 비밀에 부쳐졌습니다. 예고편을 통해 이 작품이 오리진 스토리가 아니며, 슈퍼맨들이 맞서 싸워야 할 여러 악당들이 등장할 것이라는 점이 명확히 드러났습니다. 데이비드 코렌스웻(클라크 켄트/슈퍼맨)과 함께 레이첼 브로스나한(로이스 레인), 니콜라스 홀트(렉스 루터), 이사벨라 머세드(호크걸), 네이선 필리언(가이 가드너), 에디 가테기(미스터 테리픽) 등이 출연합니다.
문제는 최근 박스오피스 실적이 훨씬 더 신뢰할 수 없게 되었다는 것입니다. 예를 들어 최근 "M3GAN 2.0"은 개봉 몇 주 전부터 3천만 달러의 수익을 올릴 것으로 예상되었지만, 개봉 후 1천만 달러의 수익에 그쳤습니다. 반면 "마인크래프트 무비"처럼 예상치를 뛰어넘는 영화들도 있습니다. 이 영화는 2025년 현재까지 1억 6,270만 달러로 국내 개봉 최고 기록을 세웠습니다. 비평가들의 호평이 이 영화의 핵심 요소일 수 있습니다. 만약 비평가와 초기 관객들이 건 감독의 "슈퍼맨"을 좋아한다면, 1억 5천만 달러에 가까운 개봉이 가능할 수도 있습니다. 하지만 주말이 다가오면서 호평이 식는다면, 1억 달러가 더 현실적인 선택지가 될 수도 있습니다.
분명히 말씀드리자면, 2025년 현재까지 미국에서 1억 달러 이상의 수익을 올린 영화는 "마인크래프트 무비"와 "릴로 & 스티치" 두 편뿐입니다. 따라서 1억 달러 이상의 수익은 워너 브라더스에게 엄청난 기회가 될 것입니다. 해외 관객이 중요한 요소이기 때문에 이는 변수 중 하나일 뿐입니다. "맨 오브 스틸"은 흥행 수익의 거의 57%를 해외에서 벌어들였습니다. 하지만 "슈퍼맨"의 중국 내 선판매는 부진했고, "쥬라기 월드 리버스"와 같은 경쟁작과의 경쟁도 고려 대상입니다.
WB, 건, 그리고 사프란에게 이것은 단순히 한 편의 영화가 아닙니다. 그들은 내년에 "슈퍼걸"과 "클레이페이스"가 극장 개봉될 예정이며, HBO Max에서 "랜턴즈"가 개봉될 예정이라는 원대한 계획을 가지고 있습니다. 즉, "슈퍼맨"은 새로운 DC 유니버스에 대한 관객들의 관심을 끌어야 한다는 뜻입니다. 하지만 그것이 반드시 흥행 10억 달러를 의미할 필요는 없습니다. "아이언맨"은 5억 8,500만 달러의 수익을 올렸고, 마블 시네마틱 유니버스는 이를 기반으로 구축되었습니다. 압박감은 분명하지만, 이 영화에 과도한 기대를 걸지 않도록 합시다.
블룸하우스는 현대 호러 영화의 거장입니다. 15년도 더 전, 예상치 못한 흥행 성공으로 돌아온 "파라노말 액티비티"를 시작으로 제이슨 블룸이 세운 이 회사는 수많은 히트작과 여러 대형 프랜차이즈를 탄생시켰고, 전 세계 박스오피스에서 60억 달러 이상의 수익을 올렸습니다. 안타깝게도 블룸하우스는 최근 부진을 겪고 있으며, 겉보기에는 성공한 것처럼 보였지만 "M3GAN 2.0"에서도 상황은 달라지지 않았습니다.
제라드 존스톤 감독의 "M3GAN 2.0"은 개봉 첫 주말에 북미에서 1천만 달러의 수익을 올렸는데, 이는 1천2백만 달러의 제작비로 전 세계적으로 1억 8천만 달러를 벌어들인 원작의 3분의 1에 불과합니다. 2천5백만 달러의 제작비가 투입된 이번 영화는 완전히 흥행에 실패한 것은 아니지만, 흥행과는 거리가 멀 것으로 예상됩니다. 그렇다면 도대체 무슨 일이 벌어진 걸까요? 블럼 감독이 이 상황에 대해 직접 의견을 밝혔습니다.
"타운" 팟 캐스트에 출연한 블럼은 진행자 매튜 벨로니에게 블럼하우스의 최신 속편 오프닝에 대한 실망스러운 이야기를 솔직하게 털어놓았습니다. 월요일 최종 결과물이 발표되자 블럼은 "우울증의 악순환"에 빠져 있었다고 고백했는데, 이는 오프닝이 얼마나 힘들었는지 짐작하게 합니다. 덧붙여 그는 자신과 다른 제작진이 "M3GAN 2.0" 제작을 시작하면서 자신감이 과했다고 설명했습니다. 다음은 그가 밝힌 내용입니다.
"우리 모두 M3GAN이 슈퍼맨 같다고 생각했어요. 뭐든 할 수 있을 거라고 생각했죠. 장르를 바꿀 수도 있고, 여름에 등장시킬 수도 있고, 다른 모습으로 바꿀 수도 있고, 나쁜 남자를 좋은 남자로 바꿀 수도 있고요. 그리고 사람들이 그녀에게 얼마나 큰 관심을 보이는지, 그 영향력에 대해 지나치게 과장해서 생각했죠."
M3GAN 2.0의 몰락에 대한 책임은 누구에게 있을까?
블럼은 자신감을 가질 만한 이유가 있었지만, 월요일 아침이 되자 몸이 아플 수밖에 없었습니다. 불과 몇 주 전만 해도 "M3GAN 2.0"은 출시 후 최소 3천만 달러의 수익을 낼 것으로 예상되었습니다. 그러나 여름철 "F1"과 같은 경쟁 업체들과의 치열한 경쟁, 저조한 관심, 그리고 여러 요인들이 겹치면서 그 예상은 무산되었습니다.
"사람들은 M3GAN을 그녀처럼 더 원했어요." 블럼이 덧붙였습니다. "속편을 만들 때마다 아주 미묘한 경계선을 따라가야 해요. 첫 번째 영화에 너무 가깝게 만들면 모두가 '첫 번째 영화를 베꼈네'라고 하고, '이 영화는 왜 만들었어? 시간 낭비야'라고 하죠. 그리고 첫 번째 영화에서 너무 멀리 만들면 모두가 '이게 왜 속편이야? 첫 번째 영화랑 아무 상관도 없는데, 우리는 화가 났잖아'라고 하죠."
실제로 "M3GAN 2.0" 예고편에서도 이 상황이 "터미네이터 2"와 비슷하다는 것이 여실히 드러났습니다. 악당이 영웅이 되면서 공포 영화가 아닌 완전한 SF 영화로 탈바꿈했습니다. 속편은 전작처럼 소셜 미디어에서 큰 인기를 얻지 못했습니다. 전작 M3GAN이 춤을 추던 모습에 필적할 만한 틱톡 바이럴 영상도 없었습니다. 블럼 감독은 이 점에 대해 "그런 장면을 다시 만들어낼 수는 없다"고 설명했습니다. 그는 또한 영화 감독에게 책임을 전가할 필요성을 느끼지 않는다며 다음과 같이 말했습니다.
"제라르는 정말 훌륭한 감독이에요. 제라르는 거의 모든 걸 해결할 수 있는 사람이지만, 시간이 필요해요. 그는 정말 많은 시간이 필요한 감독 중 한 명이에요. 첫 번째 'M3GAN'에서 그는 세상의 모든 시간을 갖고 있었죠."
제이슨 블룸, 블룸하우스 실패에 대한 책임을 지다
"시장 상황이 너무 달라서 제대로 이해하기가 정말 어렵습니다." 블럼은 팬 데믹 이후 박스오피스 상황이 극적으로 변했다고 설명하며, "시너스"나 "파이널 데스티네이션 블러드라인" 같은 영화의 성공을 예로 들며, 요즘은 영화 이벤트가 그 역할을 대신하는 것 같다고 말했습니다. 저예산의 비이벤트 영화는 훨씬 더 어렵습니다.
블럼은 "이번 일은 유니버설이 아니라 제가 책임져야 합니다."라고 덧붙였습니다. 블럼하우스 프로덕션은 유니버설 픽처스와 오랜 협력 관계를 맺어 왔으며, 유니버설 픽처스는 이 회사 영화들의 마케팅과 배급을 담당해 왔습니다. 그럼에도 불구하고 블럼은 속편의 몰락을 유니버설 픽처스 탓으로 돌리지 않습니다.
"그들도 역할을 하긴 하지만, 우리는 함께 이 일을 해내고 있어요. 로튼 토마토에서 4%를 받은 영화들을 많이 만들었는데, 그들이 전화해서 '실수했어요'라고 말하지는 않아요. 우리는 서로에게 힘이 되어줬고, 그들도 제가 이 사업이 장기적이라는 걸 이해하는 것처럼 이해해 줬어요. 오래 지속되는 사업이죠."
블럼은 "나이트 스윔", "이매지너리", "어프레이드", "울프 맨", "더 우먼 인 더 야드", "드롭" 등 블럼하우스가 다소 침체기에 빠져 있다는 사실을 기꺼이 인정했습니다. 다행히 "블랙 폰 2"와 "파이브 나이츠 앳 프레디 2"를 포함한 확실한 투자가 예정되어 있습니다. ("파이브 나이츠 앳 프레디 2"의 첫 번째 영화는 전 세계적으로 거의 3억 달러의 수익을 올렸습니다.) 블럼은 또한 회사가 무엇이 잘못되었는지 면밀히 검토하고 감정이 가라앉으면 무엇을 바꿔야 할지 결정할 것이라고 분명히 했습니다.
"우리는 실수에서 배우려고 정말 노력합니다. 하지만 정말 시간이 걸리죠. 감정에 휘둘리지 않고, 감정에서 벗어날 만큼 거리를 두어야 합니다. 바로 그때가 우리가 진정으로 집중하는 순간입니다. 작은 회의를 통해 논의하고, 또 논의하고, 또 논의할 겁니다. 정말 깊이 파고들죠."
마리사 아벨라는 이전에 발표된 헨리 카빌과 러셀 크로우와 함께 "하이랜더"의 캐스트에 합류했습니다.
채드 스타헬스키가 아마존 MGM 스튜디오와 전 넷플릭스 영화 부문 책임자 스콧 스터버가 운영하는 유나이티드 아티스트(UA)가 제작하는 이 영화의 감독은 1980년대 동명의 컬트 고전을 바탕으로 마이클 핀치가 각본을 집필합니다.
UA의 스콧 스터버와 닉 네스빗은 닐 H. 모리츠, 87일레븐 엔터테인먼트, 스타헬스키의 제작사, 데이비스 팬저 프로덕션의 조쉬 데이비스, 그리고 루이스 로스너와 함께 제작을 맡습니다. UA는 1986년 원작에 대한 모든 판권을 확보했으며, 새로운 시리즈 제작 가능성도 있습니다. 라이언스게이트가 이 영화의 제작을 담당했습니다.
아벨라는 최근 호평받은 금융 드라마 "인더스트리" 시즌 3에서의 연기로 2025년 영국 아카데미 영화상(BAFTA) TV 어워드를 수상했습니다. 이는 스티븐 소더버그 감독의 스파이 스릴러 "블랙 백"에서 마이클 패스벤더, 케이트 블란쳇과 함께 호흡을 맞춘 데 이은 것입니다. 아벨라는 이전에도 전기 드라마 "백 투 블랙"에서 에이미 와인하우스 역을 맡아 BAFTA EE 라이징 스타상 후보에 올랐습니다.
크리스토퍼 램버트와 숀 코너리가 주연을 맡은 원작 "하이랜더"는 불멸의 전사들 간의 고대 전투의 절정을 과거와 현재의 스토리가 얽히고설키며 펼쳐집니다. 개봉 후 꾸준히 인기를 얻은 이 영화는 여러 편의 속편과 TV 시리즈를 탄생시키며 두터운 팬층을 형성했습니다. 러셀 멀케이 감독이 연출을 맡았으며, 피터 S. 데이비스와 윌리엄 N. 팬저가 제작을 맡았습니다.
아벨라는 The Artists Partnership, WME Entertainment, Shelter PR, Sloane, Offer, Weber & Dern의 대리로 활동하고 있습니다.
"샌드맨" 시즌 2 첫 회에서 드림(톰 스터리지)은 충성스러운 부하 케인(산지브 바스카)에게 루시퍼(그웬돌린 크리스티)에게 메시지를 전하기 위해 지옥행 급행열차를 타라고 부탁합니다. 하지만 케인이 루시퍼의 엄선된 메시지를 읽기도 전에, 루시퍼는 그의 말을 가로채며 "아니, 메시지는 아니고, 내용만 전할게."라고 말합니다.
스토리텔링에 대한 그 결함 있는 태도를 이토록 간결하게 요약한 시리즈는 드물었고, 서사를 관통하는 이토록 빠른 접근 방식이 더 환영받는 경우는 더욱 드뭅니다. 시즌 2에서 명백히 드러나듯이, 넷플릭스 의 "샌드맨" 각색은 빨리 뒤로 미룰수록 좋습니다.
왜 그럴까요? 무엇보다도, 이 시리즈는 원작자 닐 게이먼에게 제기된 신빙성 있는 의혹 때문에 보는 내내 매우 불쾌했습니다. 닐 게이먼 은 시즌 2에서도 총괄 프로듀서이자 공동 창작자로 활동하고 있습니다. 첫 번째 시즌의 보너스 에피소드 만으로도 충분히 충격적이었습니다. 스스로를 페미니스트라고 칭하는 작가가 영감을 얻기 위해서뿐만 아니라 여성을 더 잘 이해하기 위해 자신의 뮤즈를 감금하고 강간하는 내용 인데, 이번 에피소드들은 "샌드맨"과 원작자 사이의 달갑지 않은 유사점을 더욱 부각할 뿐입니다.
시즌 2, 1권에서 드림은 인간들(그리고 신보다 강력한 자연의 의인화된 존재인 그의 형제자매, 일명 엔드리스)에게 더 잘 공감하는 법을 배웁니다. 하지만 그 과정에서 그는 자신의 오류를 인정하지 못하고 고뇌합니다. 예를 들어, 사랑을 "욕망"으로 착각하여 한 여자를 1만 년 동안 지옥으로 추방했던 적이 있습니다. 이처럼 과거의 실수는 현실을 직시하게 하는 동의와 조작에 대한 의문을 불러일으키는 반면, 드림의 부재하는 연민에 대한 고정관념은 게이먼이 계속해서 모든 잘못을 부인하고, 자신을 성추행 혐의로 고소한 여성들에게 소송을 제기했던 것을 떠올리게 합니다. 표면적으로 드림은 엔드리스조차도 변할 수 있다는 것을, 자신도 사람들 을 아낄 수 있다는 것을 서서히 깨닫고 있습니다. 하지만 증거는 너무나 부족하고 모호하며 공허해서, 아무리 오랫동안 깨어서 노력해도 예술과 예술가를 분리하는 것은 사실상 불가능합니다.
두 번째 핵심 단점으로 이어집니다. 어떤 외부 맥락도 없이 "샌드맨"이 끔찍한 드라마라는 사실은 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 드림스는 처음 여섯 에피소드 동안 오래된 실수를 되짚어 보고, 감정적이고 슬픈 소년처럼 침울해하다가, 결국 제멋대로 행동합니다. 시즌 2 역시 탄탄한 에피소드 구성 없이 대체로 독립적인 이야기들을 펼쳐내지만, 주인공의 불안정하고 연재적인 전개를 정당화할 만큼의 구체적인 내용이 부족합니다.
넷플릭스의 각색은 정말 짜증 날 정도로 무기력합니다. 게이먼이 스스로 비난의 표적이 된 지금, 제가 그저 괜히 욕을 퍼붓는다고 생각하지 마세요. 저는 이미 충분히 인정 합니다 . "샌드맨"은 항상 밋밋하고 지루한 작품이었는데, 이제는 그저 짜증 나는 작품이 되었습니다.
사이드 퀘스트는 차치하고, 이 이야기는 두 가지 기본 줄거리로 진행됩니다. 1. 드림은 필멸자와 관계를 맺고 그 결과를 감당해야 합니다. 2. 드림은 자신의 영역을 버린 잃어버린 동생 디스트럭션(배리 슬론)을 괴짜 여동생 델리리움(에스메 크리드 마일스)과 함께 찾아갑니다. (사실, 그는 사과 투어를 하고 있는 셈인데, 항상 무엇에 대해 사과하는지 아는 것 같지는 않습니다.) 그 과정에서 그는 지옥을 방문하고, 연회를 열고, "한여름 밤의 꿈"을 제작하고, 전 여자친구를 스토킹하고, 자신이 버린 아들을 찾아 나섭니다. (사과가 어떤 역할을 하는지는 아마 짐작하실 수 있을 겁니다.)
어떤 에피소드는 플래시백에 의존하고, 어떤 에피소드는 전력 질주하며, 어떤 에피소드도 큰 여운을 남기지 않습니다. 다양한 의인화된 신과 동물들과 교류하는 드림의 딜레마는 마찰이 거의 없어 붙잡을 것이 없습니다. 만약 드라마의 나머지 부분이 생각할 거리를 제공하는 매력적인 아이디어를 제시하거나 감탄할 만한 세계로 우리를 안내한다면, "샌드맨"은 효과적인 몽환 여행이 될 수 있을지도 모릅니다. 하지만 현재로서는 그렇지 않습니다. 쇼러너이자 공동 창작자인 앨런 하인버그는 이미 페이지에 있는 내용을 재창조하는 동시에, 그 페이지들을 연결하여 뚜렷한 줄거리를 형성하는 것을 우선시합니다. 만약 그것이 모두가 그저 왔다 갔다 하고, 심각한 갈등의 여지는 없다는 것을 의미한다면, 그럴 수밖에 없습니다. (드림이 자신의 계획에 대해 얼마나 거의 저항을 받지 않는지 놀랍습니다.)
드림이 자신, 관계, 그리고 인류에 대해 발견한 것들은 너무나 기본적이고 광범위해서, 신들보다 나이가 많음에도 불구하고 지금까지 단 한 번도 그 어떤 것도 살펴보지 않은 듯합니다. 한편, 이번 시즌의 핵심 주제는 포기와 잠시(혹은 오랜 시간) 휴식을 취하는 것이 왜 괜찮은지에 초점을 맞추고 있습니다.
드림의 이전 줄거리(한 세기 넘게 포로로 잡혀 있다가 시즌 1에서 드디어 자신의 영역을 되찾았죠) 와 조기 은퇴를 고민하는 게 상관없는 건가요 ? 다른 은퇴 희망자들이 일을 전혀 안 하는 것 같다는 게 누가 신경이나 쓰겠어요? 시즌 2가 게이먼의 만화책을 최대한 많이 포함시키기 위해 지름길을 택하는 한, 그가 세상에 어떤 추악한 것들을 쏟아냈든, 이 이야기들이 하루 묵은 꿈처럼 희미하게 느껴지든 상관없어요. 팬들은 '델리리움'과 '디스트럭션'을 TV 에서 봤다고 말할 수 있으니까요 ! 만세!
결국 중요한 것은 내용인 듯합니다.
등급: D+
"샌드맨" 시즌 2, 1권이 7월 3일 목요일 넷플릭스에서 공개됩니다. 1권은 6개의 에피소드로 구성되어 있으며, 한 번에 공개되지만, 2권(5개의 에피소드로 구성)은 7월 24일에 공개되고, 시리즈 피날레는 7월 31일에 공개됩니다.
크리스토퍼 놀란이 온갖 우울한 흑백 티저와 슬로모션 핵반응으로 오펜하이머를 처음으로 보여준 게 어제 일 같습니다. 기억하시겠지만, 그 영화는 그에게 꽤 잘 풀렸습니다. 그리고 이 전설적인 영화감독은 오스카상을 휩쓴 후에도 안주하지 않았습니다. 아니, 그는 오디세우스 역의 맷 데이먼을 필두로 엄청나게 화려한 캐스팅을 자랑하는 호머식 블록버스터 영화 오디세이로 그 어느 때보다 더 큰 성공을 거둘 것 입니다. 이 영화는 1년 남짓 후인 2026년 7월 17일에 개봉될 예정이며, 홍보가 공식적으로 시작되었습니다. 평소 의 놀란 글꼴(관심이 있으시다면 헬베티카 노이에 블랙)로 된 오디세이 포스터를 처음으로 선보입니다. 불길한 태그라인이 있습니다. 신에 맞서라.
음, 정말 극적이네요. 오디세우스가 귀향하는 긴 여정에서 온갖 종류의 문자 그대로 괴물들을 만난다는 점을 고려하면, 이 영화는 놀란 감독이 신화적 영역을 처음 시도한 작품일지도 모릅니다. 아니면 감독이 소재에 대해 좀 더 현실적인 접근을 했을지도 모릅니다. 어쨌든, 부서진 조각상 이미지, 깜빡이는 불씨, 그리고 강렬한 태그라인은 감독의 또 다른 타협 없는 서사시를 예고합니다.
하지만 이게 전부가 아닙니다. 오디세이 예고편 도 있습니다. 문제는? 놀란 감독이 빅스크린 경험을 변함없이 지지한다는 점을 고려하면 현재는 극장에서만 상영된다는 점입니다. 시간이 지나면 온라인에서도 볼 수 있게 될 예정입니다. 하지만 놀란 감독이 이번에 어떤 작품을 선보일지 궁금하다면, 며칠 안에 가까운 멀티플렉스 극장으로 가보는 것도 좋을 것 같습니다. (이번 주 유니버설의 주요 신작이 쥬라기 월드 리버스인데, 유니버설 스튜디오가 오디세이 도 함께 개봉하니, 오디세이를 선택하는 것이 현명할 듯합니다.) 이 작품이 놀란 감독과 그의 동료들에게 또 다른 황금종려상을 안겨줄 수 있을까요? 두고 봐야겠습니다.
"쥬라기" 시리즈는 오랫동안 생체공학으로 만들어진 돌연변이 공룡(재밌게도 "디스토투스 렉스"라는 별명이 붙었다)과 매우 흡사합니다. 이 공룡은 시리즈의 새로운 작품에서 인젠 연구 시설에서 탈출합니다. 살려둘 수는 없지만 죽일 수는 없는 공룡입니다.
가레스 에드워즈의 "쥬라기 월드: 리버스"만 있어도 그 상황을 명확히 알 수 있었을 텐데, 프랜차이즈의 뼈대만 남은 두 번째 3부작이 10억 달러의 흥행 실패 로 끝난 지 불과 몇 년 후, 기본으로 돌아가는 이 독립 영화 는 유니버설이 돈을 어떻게 써야 할지 모른다고 해서 "쥬라기" 시대가 돈을 찍어내는 것을 멈추지는 않을 것이라는 점을 우리에게 일깨워줍니다. 어떤 수학자의 말을 잘못 인용하자면, "당신네 경영진은 해야 할지 말아야 할지 고민하는 데 너무 무관심해서, 할 수 있을지 생각해 보지도 않았습니다."
그런 의미에서, 그리고 오직 그런 의미에서, 에드워즈의 작품이 모든 것의 시작이었던 1993년 걸작에 대한 헌정이라는 대대적인 광고에 부응한다는 것을 인정할 수밖에 없습니다. "리버스"는 확실히 원작에서 이미 나온 다섯 편의 속편보다 나을 게 없습니다(다행히도 지난 세 편보다 덜 부풀려지고 자화자찬한 면이 덜하다는 것을 알려드리게 되어 기쁩니다). 하지만 그 스펙터클의 순전한 무의미함과 마치 6,500만 개의 스튜디오 노트를 들여 만든 듯한 완전한 비스토리가 어우러져, 스티븐 스필버그 감독의 고전 영화가 인간이 자신의 창조물을 통제할 힘이 없다는 것을 보여주는 유일무이한 완벽한 유산이 될 수 있게 합니다.
삶은 길을 찾습니다. 첫 번째 영화 이후로 진화가 없는 상황에서 생존 자체가 보상이 될 수밖에 없다는 것을 이 영화보다 더 설득력 있게 보여준 '쥬라기' 영화는 없습니다.
그 아이디어는 데이비드 코엡의 각본에 녹아들어 있는데, 이 각본은 "공룡이 돌아온" 지 32년 후, 그리고 사람들이 공룡에 지루함을 느낀 지 약 10년 후를 배경으로 합니다(코엡 본인도 마찬가지입니다). 공원은 수익성이 없고, 박물관은 텅 비어 있으며, 덤보의 멋진 시민들은 거대한 초식 공룡이 브루클린 다리 아래에서 낮잠을 자려고 동물원에서 탈출했을 때 서로에게 경적을 울립니다. 게다가 우리의 냉혈한 친구들에게도 상황이 충분히 안 좋은데, 지구 온난화가 선사 시대 도마뱀에게 좋은 환경이 아니라는 사실이 밝혀지고, 남아 있는 공룡 대부분은 고대 세계와 기후가 더 비슷한 소수의 적도 섬으로 후퇴했습니다. 우리는 그들을 괴롭히지 않고, 그들도 우리를 괴롭히지 않으며, 자연은 제멋대로 흘러가도록 내버려 둡니다. 만약 그 모든 간섭하는 기업들이 없었다면 자연은 그렇게 되었을 것입니다.
이번에는 파커제닉스라는 거대 제약 회사입니다. 이 회사의 과학자들은 지구상에 남은 가장 큰 공룡 세 마리의 혈액에서 수조 달러짜리 심장병 치료제를 추출할 수 있다는 사실을 발견했습니다. 당연히 그들은 다른 사람들이 기회를 잡기 전에 상표를 붙이고 싶어 합니다 (의료 특허 경쟁만큼 상상력을 자극하는 건 없죠!). 그래서 그들은 악덕 깡패 마틴 크렙스(루퍼트 프렌드, 야시화된 데니스 네드리 역)에게 필요한 백지 수표를 건네주어 스컬 아일랜드(폐허가 된 인젠 시험장이 뭐였든 간에)로 가서 파커제닉스에 필요한 샘플을 채취할 수 있는 팀을 고용했습니다.
선두에 선 것은 전직 특수부대 요원 조라 베넷(병적으로 쾌활한 스칼렛 요한슨 역으로, 종종 린다 해밀턴 코스프레를 하기도 함)입니다. 그녀는 최근 임무에서 사랑하는 동료를 잃은 슬픔에 잠겨 있다고 합니다. "혐의"라고 표현한 이유는 현재 임무에서 사랑하는 동료의 죽음을 목격했음에도 불구하고 인간적인 감정을 드러내지 않기 때문입니다. 하지만 모두가 그녀의 죽음에 애도를 표합니다. 파커제닉스의 2억 달러를 챙긴 조라는 이제 스스로 그 비용을 지불할 수 있게 될 것입니다.
수리남에 사는 그녀의 전쟁 친구 던컨 킨케이드(마허샬라 알리, 연기는 없고 존재감만 있는 역할)도 비슷한 보상을 바라고 있습니다. 부자가 되더라도 죽은 아들에 대한 슬픔을 달래기에는 역부족인데, 캐릭터에 전혀 관심 없는 영화에 그런 방식은 너무나 얄미운 장치다(코엡의 각본은 사람들이 "삶은 스스로의 방식으로 길을 찾는다"는 개념을 정확히 따르지 않는다). 하지만 공룡에게 산 채로 씹혀도 그에게는 이미 상처가 된 것보다 더 큰 상처는 없을 것입니다. 에드 스크레인도 확실히 등장하고, 베치르 실뱅과 필리핀 벨지도 등장하는데, 그들은 "나 먼저 먹어"라고 적힌 티셔츠를 입고 있는 것과 마찬가지일 것입니다. "섹스 앤 더 시티"의 스티브를 닮은 스타일링을 한 "위키드"의 스타 조너선 베일리는 책을 좋아하는 고생물학자 헨리 루미스 역으로 팀을 완성합니다. 그는 프랜차이즈의 아이콘인 앨런 그랜트 박사 밑에서 수학했지만, 길들여지지 않은 공룡들로 가득한 인젠 섬에 갈 만큼은 여전히 어리석습니다.
모험심이 강한 아빠 루벤 델가도(마누엘 가르시아-룰포)는 자신이 배를 타고 대서양을 건너는 동안 두 딸과 큰 딸의 배고픈 남자 친구를 모사사우루스의 영토로 직접 몰고 가는 것을 막지 못하기 때문에, 자신이 배를 타고 대서양을 건너는 것을 상상하는 것보다 더 어리석은 짓일지도 모릅니다. (이 캐릭터들은 뱀파이어 위켄드 노래로 소개되는데, 이는 루벤의 큰 아이가 가을에 NYU에 간다는 사실을 암시하는 재밌는 다중적 사고방식입니다.) 조라의 승무원은 이어지는 피할 수 없는 공격에서 그들을 구해내지만 공룡들은 복수심에 불타 돌아오고, 얼마 지나지 않아 영화 의 모든 캐릭터가 영화의 프롤로그에서 디스토터스 렉스가 우리를 탈출했던 바로 그 섬에 좌초됩니다(이 장면은 에드워즈의 "고질라"의 프롤로그와 놀라울 정도로 닮았으며, 감독의 흔적이 거의 없는 영화에서 주목할 가치가 있습니다).
그 이후 영화의 나머지 부분은 비디오 게임 논리를 따릅니다. 조라의 팀이 수영 공룡(앞서 언급한 모사사우루스), 육지 공룡(티타노사우루스), 그리고 하늘 공룡(케찰코아틀루스)에게서 피를 성공적으로 추출한다면, 영화 내내 기다리던 네 번째 비밀 보스가 모습을 드러낼 것입니다. 스포일러 경고: 정말 그렇습니다! 디스토투스는 크고 못생긴 청구스인데, 사실상 아무것도 하지 않아서 거대한 발자국만이 유일하게 남길 수 있는 흔적입니다.
그 자체로도 실망스럽겠지만, 에드워즈 같은 특수효과 마법사가 지휘봉을 잡은 이상 더욱 실망스럽습니다. 그의 "고질라"는 21세기 최고의 웅장하고 장엄한 괴수 영화 중 하나로 남아 있습니다("쥬라기" 속편을 연출하기에 너무나 완벽한 오디션 영상이기도 합니다). 에드워즈가 "리버스"에 합류한 것은 제작에 돌입하기 얼마 전이었고, 유니버설이 "더 크리에이터"의 제작자를 영입한 이유는 그가 2025년 여름 개봉 예정일에 맞춰 이처럼 화려한 CGI 영화를 선보일 수 있는 검증된 영화 제작자 중 한 명이었기 때문입니다. "쥬라기 공원"에서 우리 모두가 기억하듯이, 구조적 무결성보다 주주 가치를 우선시하는 일정에 따라 운영하면 결코 부정적인 결과가 발생하지 않습니다.
"리버스"가 괜찮은 세트피스나 잘 짜인 스릴을 전혀 갖추지 못했다고 말하는 것은 엉뚱한 주장일 것입니다. 티라노사우루스 카메오는 고무보트를 가지고 장난을 치고, 케찰코아틀루스 시퀀스는 스필버그식 마법을 타고 항해하려는 필사적인 영화에 "인디아나 존스"의 고공 비행을 살짝 도입하여 그것이 어디서 나오는지 신경 쓰지 않는 듯합니다. 에드워즈는 조 존슨 수준의 재미를 노렸어야 했는데, "쥬라기 공원 3"의 직설성을 살린 "리버스"는 안개 속에서 모습을 드러내는 프테라노돈의 아우라와 어울리는 단 한 순간이라도 놓치지 못할 것이다. 아쉽게도, 이전 "쥬라기 월드" 시리즈처럼 덜 노골적이지만 비슷하게 무기력하게, 이 영화는 오늘날의 멀티플렉스 영화들과 경쟁할 만큼 공룡을 현대적으로 느끼게 해야 한다는 필요성 때문에 무너졌습니다.
에드워즈가 35mm 필름으로 촬영하기로 한 결정은 높이 평가하지만, 그의 CGI 기술은 프랜차이즈의 맥락을 독자의 뇌가 직접 믿도록 요구하는 이 프랜차이즈의 맥락에서 보면, 단순한 버그에 불과합니다. 원작 영화의 공룡 공격 장면이 그토록 무서운 이유는 6천 5백만 년 동안 이어져 온 동물의 본능을 얼마나 확실하게 무너뜨리는지, 그리고 악몽과 현실의 경계를 얼마나 확실하게 넘나드는지 때문입니다.
티라노사우루스가 전기가 들어오지 않는 울타리를 발톱으로 훑는 순간, 신 행세를 한다는 생각에 대한 우리의 지적인 불편함은 갑자기 명백하고 현존하는 위험으로 구체화됩니다. 아이들이 부엌에서 벨로시랩터들을 피해 숨을 때, 그 긴장감은 공룡이 자신들이 잡아먹으려는 인간만큼 실존하며, 그 반대의 경우도 마찬가지라는 뼈아픈 믿음에 뿌리를 두고 있으며, 그 믿음은 눈앞에 펼쳐진 액션의 단순함 덕분에 지속됩니다. "죠스"가 성공한 이유는 상어가 실패했기 때문이고, "쥬라기 공원"이 영화로 살아남은 이유는 바로 관객이 관람객이 어트랙션을 통제할 수 있는 한계가 있었기 때문입니다. "리버스"에는 티타노사우루스 두 마리가 키스하는 장면이 있습니다.
에드워즈가 바닷속을 유유히 헤엄치는 모사사우루스를 만질 수 있을 만큼 실감 나게 표현한 것은 훌륭하지만, 그의 영화에서 연필처럼 가느다란 캐릭터들은 그들을 쫓는 CGI 공룡들의 현실을 드러냅니다. 감독이 원하는 대로 행동하게 만드는 능력 때문에 공룡들은 더욱 가짜처럼 보입니다. "리버스"에 나오는 아이들 중 누구도 자신의 상황에 충분히 겁먹지 않는 것도, "쥬라기 공원"만이 사람들이 놀이 공원 놀이기구를 간접적으로 즐기는 모습을 보는 것 같지 않은 유일한 영화라는 것도 당연한 일입니다.
말할 필요도 없이, "리버스"는 원작으로 자주 회귀하는 것이 오히려 단점입니다. 이전 속편들이 다소 부진했던 것은 사실이지만, 스필버그의 걸작과 비교하려는 시도는 그 어느 것도 없었습니다. 이 영화에서 관객이 특정 벨로시랩터에 관심을 갖게 하려는 두 번째 삼부작의 시도만큼 짜증 나는 부분은 없습니다 ( 에드워즈는 사랑스러운 아기 아퀼롭스 돌로레스로 우리를 달래려 애쓰지만요). 하지만 이 프랜차이즈가 단순히 스스로의 멸종을 막고 있다는 사실은 첫 번째 영화의 주방에서의 만남에 경의를 표하는 "리버스" 시퀀스에서 그 어느 때보다 분명하게 드러납니다. "쥬라기" 속편들은 진화를 위해 노력하는 것만으로도 충분히 부실했는데, 이미 화석화된 지금 와서 보면 더욱 볼 가치가 없습니다.
등급: C-
유니버설 픽처스는 북미 기준 7월 2일 수요일에 '쥬라기 월드: 리버스'를 극장에 개봉할 예정입니다.
스티븐 스필버그 감독의 필모그래피는 길지만, 프로듀서로서의 그의 이력은 방대합니다(그리고 감독으로서의 경력만큼은 결코 일관적이지 않습니다). 예를 들어, 그는 현대 "트랜스포머" 시리즈의 모든 제작 총괄을 맡았고, 첫 번째 시리즈는 마이클 베이 감독에게 맡겼습니다. 이 영화들은 분명 베이 감독의 작품이고, 스티븐 스필버그 감독의 작품은 아니지만, 스필버그의 영향력이 살짝 엿보입니다.
특히 첫 번째 "트랜스포머" 영화는 "죠스"나 "쥬라기 공원"처럼, 즉 전반부의 화려한 볼거리를 잠시 접어두고 있습니다. 이 영화의 핵심은 스필버그 감독의 전략에서 영감을 얻었는데, 샘 윗위키(샤이아 라보프)와 오토봇 범블비 사이의 "ET" 같은 우정을 묘사하고 있습니다.
스필버그 감독이 악당 자동차를 소재로 한 이야기를 다룬 것은 "트랜스포머"가 처음은 아니었습니다. 스필버그 감독의 첫 번째 장편 영화인 1971년작 "듀얼"에는 위협적인 트럭이 등장했지만, 이 트럭이 시리즈에 오마주로 등장한 것은 "트랜스포머" 3편, 2011년작 "다크 오브 더 문"이 나온 후였습니다.
디셉티콘의 리더이자 악당인 메가트론(휴고 위빙)은 "트랜스포머: 패자의 역습"의 마지막에서 엄청난 충격을 받습니다. 옵티머스 프라임(피터 컬렌)은 메가트론의 오른팔을 뜯어낸 후, 메가트론의 얼굴에 메가트론의 퓨전 캐논을 발사합니다. 다음 영화라면 이 장면을 쉽게 잊을 수 있었을 겁니다. ("잊어버리세요"는 대부분의 사람들이 끔찍한 "패자의 역습"에 대해 하고 싶어 하는 말입니다.) "메가트론은 상처를 치료하기 위해 후퇴하고 다음 주에 돌아온다"는 것이 원작 "트랜스포머" 만화의 모든 에피소드가 전개되는 방식이었지만, 이번 영화에서는 그렇지 않습니다.
보통 그런 것에 신경 쓰지 않던 영화들과는 놀랍게도, 메가트론은 "다크 오브 더 문"에서 새로운 모습을 선보입니다. 하지만 그다지 아름다운 모습은 아닙니다. 오른쪽 눈 위 머리에 여전히 거대한 상처가 남아 있고, 상처를 가리기 위해 누더기 천을 후드처럼 쓰고 다니지만, 후드를 내리면 그의 뇌 일부가 드러납니다. ("트랜스포머"는 등장인물들이 로봇이기 때문에 이런 폭력/유혈 사태를 종종 용납합니다.) 메가트론의 잘린 팔 또한 다른, 더 인간적인 모델로 교체되어 집게발 같은 왼손과 비대칭을 만들어냅니다.
메가트론의 새로운 몸에는 영화 속 장면들이 곳곳에 등장합니다. 그의 새로운 손은 프레디 크루거의 발톱 달린 장갑을 닮았습니다 . 그의 산탄총과 비클 모드는 녹슬고 낡아빠진 탱크 트럭인데, 조지 밀러 감독의 "로드 워리어"를 떠올리게 합니다. 트럭 역시 "듀얼"에서 튀어나온 듯한 모습입니다.
스티븐 스필버그 감독의 '듀얼'은 수수께끼의 트럭에 쫓기는 운전자를 다룬다
영화계에 뛰어들기 전, 스필버그는 텔레비전 감독이었습니다. 이 초기에 그는 1971년에 "콜롬보"의 첫 번째 정식 에피소드를 감독했습니다. 그해 말, 그는 TV에서 한 걸음 물러나 영화계로 진출하여 "ABC의 주간 영화"로 선정된 TV 영화 "결투"를 제작했습니다.
"듀얼"은 20세기 중반 유명 장르 작가였던 리처드 매디슨의 단편 소설을 원작으로 합니다. (매디슨은 "환상특급"에 "2만 피트 상공의 악몽"을 포함하여 12편이 넘는 에피소드를 기고했습니다.) 이 영화는 모하비 사막을 차로 달리는 출장 중인 세일즈맨 데이비드 만(데니스 위버)의 이야기를 다룹니다. 그는 거대하고 녹슨 피터빌트 281 탱크로리 트럭에게 쫓기는데, 이 트럭은 아무런 이유 없이 그를 도로 밖으로 몰아내려 합니다.
운전자는 혼자 운전하는 운전자를 노리는 연쇄 살인범으로 암시됩니다. 트럭에는 여러 개의 번호판이 장식되어 있는데, 아마도 이전 살인 사건의 전리품일 것입니다. 하지만 운전자의 동기, 그리고 그의 얼굴은 맨이나 관객에게 결코 드러나지 않습니다. (이 트럭이 디셉티콘 같은 존재일 거라고 생각하기 전에, 운전자가 있다는 것을 보여 드립니다. 한 장면에서 그는 창밖으로 팔을 내밀고 맨에게 가라고 권합니다. 우리는 그에 대해 아무것도 모릅니다.)
"다크 오브 더 문"에 등장하는 메가트론의 트럭 모드는 "듀얼"에 등장하는 트럭과 완전히 동일하지는 않습니다. 모델이 다르고(맥 그래닛 M915 LHRT), 앞 유리 위와 범퍼에 칼날 같은 고정 장치가 부착되어 더욱 위협적으로 보입니다. 하지만 스필버그가 "다크 오브 더 문"의 프로듀서로 참여하면서 차이점보다는 유사점이 더 두드러집니다.
솔직히 말해서, "트랜스포머"에서 메가트론을 트럭으로 변신시키는 데 그렇게 오랜 시간이 걸렸다는 게 놀랍습니다. "듀얼" 때문이 아니라, 그의 반려자이자 숙적인 옵티머스 프라임이 탱커 트럭으로 변신하기 때문입니다. 더럽고 "사악한" 트럭으로 변신하는 메가트론은 깨끗하고 친근해 보이는 옵티머스 프라임의 거울상과 같습니다.
40년 동안의 "트랜스포머"에서 옵티머스 프라임의 모습은 꽤 일관적이었습니다(빨간색과 파란색, 트럭으로 변신하고, 옆면에 안테나가 달린 헬멧과 입판을 착용). 반면, 메가트론의 디자인은 종종 더 유연했습니다.
메가트론이 변신한 모든 것이 여기 있다
오리지널 "트랜스포머" 시리즈에서 메가트론은 권총으로 변신했습니다. 다른 디셉티콘들이 자신을 쏠 수 있도록 그는 작아졌습니다. (위 사진) 로봇으로 다시 변신했을 때, 총 형태의 조준경은 오른팔에 장착된 강력한 퓨전 캐논으로 바뀌었습니다. 실사판 "트랜스포머" 영화에서는 총 형태가 사라지고, 그 결과 메가트론은 고전적인 모습과는 거의 닮지 않은 모습으로 변했습니다. 퓨전 캐논도, "버킷헤드" 헬멧도, 아무것도 없었습니다.
"트랜스포머"의 컨셉 아티스트 조쉬 니지는 메가트론의 "달의 어둠" 디자인에 이 헬멧을 도입하여 메가트론이 머리의 상처를 가리기 위해 헬멧을 착용하게 하는 것을 제안했습니다. 하지만 최종판에서는 메가트론의 캐릭터 아크를 반영하기 위해 노쇠한 모습으로 묘사하는 방향으로 이야기가 진행 되었습니다.
오토봇이나 다른 디셉티콘들과는 달리, 메가트론은 처음 두 편의 "트랜스포머" 영화에서 본래의 사이버트론 모습을 유지했습니다. 원작에서는 외계 제트기로 변신했지만, "패자의 복수"에서 부활한 후에는 비행 탱크로 업그레이드되었습니다. 메가트론은 인간을 너무나 자랑스러워하고 경멸했기에 지구형 차량 모드로 변신하지 않았습니다.
하지만 "다크 오브 더 문"에서 메가트론은 변장한 로봇이 되는 굴욕을 겪어야 했고, 그래서 탱크 트럭이 등장하게 되었습니다. 그릴과 범퍼를 따라 나 있는 스파이크조차도 이전 메가트론의 모습보다 훨씬 덜 위압적인 모습을 가릴 수 없습니다. 메가트론은 "다크 오브 더 문"에서 트럭에서 로봇으로 변신하는 모습으로 처음 등장하는데, 이는 그가 전성기를 지났음을 보여줍니다. 한 형태에서 다른 형태로 부드럽게 변신하는 대신, 메가트론은 기어가 갈리고 온몸에 불꽃이 튀는 동안 고통스러운 신음을 냅니다.
배신자 디셉티콘 부관 스타스크림(찰리 애들러)이 메가트론에게 조롱 섞인 동정심을 보이자, 메가 트론은 공허한 위협만 퍼붓고, 예전처럼 스타스크림에게 뒷말을 내뱉지도 않는다. 영화 후반부에서 메가트론은 오토봇의 이중 스파이 센티넬 프라임(레너드 니모이) 에게 손쉽게 제압당하고 자리에서 물러난다.
"달의 어둠" 소설과 만화에 등장하는 메가트론의 이야기는, 암흑에 빠져 피에 대한 갈망을 채울 힘을 잃은 후 생각할 시간을 갖게 되었다는 것입니다. 그는 전쟁과 그 이후의 모든 일들, 즉 형제 같은 친구 옵티머스를 배신하고, 사랑하는 고향 사이버트론을 파멸로 이끌었던 일들이 더 이상 가치가 없다고 판단했습니다. 그래서 이야기 3막에서 메가트론은 옵티머스를 도와 센티넬을 물리치고, 오토봇 과 디셉티콘 간의 휴전 으로 전쟁을 종식시킵니다.
마지막 영화에서 옵티머스는 메가트론 과 센티넬을 모두 죽입니다. 하지만 메가트론의 얼굴 반전 설정은 이전 장면에서도 여전히 존재하기 때문에, 이 결말은 옵티머스를 그의 숙적만큼이나 피에 굶주린 존재로 보이게 합니다. "트랜스포머: 다크 오브 더 문"에 메가트론이 등장하는 데에는 설득력 있는 아이디어들이 있지만, 영화는 그것들을 완전히 구현하지 못합니다.
글
